BEYOND THE STREETS Los Angeles, 2018. Kenny Scharf Foto von Beau Roulette.

Kenny Scharf wuchs in den sicheren, stets sonnigen Vororten des San Fernando Valley, nördlich von Los Angeles, auf und zog Ende der 70er Jahre nach New York, um die School of Visual Arts zu besuchen, wo er Mitbewohner von Keith Haring wurde und sich mitten in der East Village Kunstbewegung der 1980er Jahre wiederfand. Im Wirbel der Downtown-Szene schuf Scharf seine charakteristischen Cosmic Caverns, immersive Erlebnisse aus Day-Glo-Gemälden und Schwarzlicht, die zugleich als Diskopartys dienten. Seine stilisierten Außerirdischen und bunten Pop-Ikonen haben breite Anerkennung gefunden, und er arbeitet weiterhin in Collage, Skulptur, Malerei und Performance, mit Sitz in New York. 

In den 1960er Jahren hatte der berauschende Abstrakte Expressionismus von Rothko, Pollock, Motherwell u.a. fast vollständig seinem jungen und ungestümen Nachfolger, der Pop Art, Platz gemacht, was Museen und Sammler zwang, sich mit einem neuen Paradigma auseinanderzusetzen, dessen Muse die Massenkultur war und dessen regierender Monarch Andy Warhol über eine seltsame Gemeinschaft aus großartigen Freaks, Drag Queens und Junkies herrschte.

Dann kamen die 1970er Jahre – etwas kochte in der neuen multikulturellen Bohème, die sich in Downtown New York herausbildete. Die sogenannte Downtown-Szene war gewissermaßen das dysfunktionale Bastardkind der Pop Art, mutiert durch die Kreuzbestäubung und die manische postmoderne Energie der Straßen und Nachtclubs der Stadt. Eingebettet in diesen verrückten Randbereich war ein junger Maler – sein Name war Kenny Scharf, Gründungsvater eines wilden Ausdrucks, der zwischen Straße und Galerie existiert, eine Outsider-Kunst, die nicht ganz naiv ist, sondern vielmehr eine hohe-niedrige Mobilität besitzt, die ihr gleichermaßen Anhänger und Kritiker eingebracht hat. Viele nennen es Street Art, aber Scharf mochte diesen Begriff nie wirklich.

Kenny Scharfs Künstlerkarriere

Heaven & Hell #2, Acryl, Marker & Sprühfarbe auf Leinwand, 1981 - Mit freundlicher Genehmigung von Kenny Scharf

Kenny Scharfs künstlerische Laufbahn begann, als er Ende der 70er Jahre von L.A. nach New York zog, um die School of Visual Arts zu besuchen, und Mitbewohner eines jungen, leidenschaftlichen Künstlers namens Keith Haring wurde, der sich für Jean Dubuffets Ästhetik und Art Brut interessierte, Ideen, die Kunst bevorzugten, die rein aus kreativem Impuls entstand, Kunst ohne professionelle Ambitionen – ähnlich der Kunst, die von den U-Bahn-Graffiti-Künstlern in der ganzen Stadt geschaffen wurde, was Haring dazu inspirierte, das U-Bahn-System als Ort für seine eigenen absichtlich primitiven Markierungen zu nutzen. Scharf hingegen verwirrte seine Lehrer, indem er unter anderem Plastikdinosaurier auf Fernseher schmolz. Auch er wurde von der aufkommenden Graffiti-Szene inspiriert und interessierte sich für Sprühfarbe als Medium für seine eigene Arbeit, wobei er Freundschaften mit Graffiti-Künstlern wie DAZE und HAZE schloss. 

Im Gegensatz zu Haring, der selten Sprühfarbe verwendete, liebte Scharf es, wirbelnde, präzise Krylon-Linien auf seine malerischen Ideen aufzutragen, seine Visionen von Pop-Surrealismus, verwurzelt in kosmischer Ikonographie, Psychedelik, Googie-Architektur und The Jetsons, in einer grellen, zuckersüßen Farbpalette. Kenny Scharfs Kunst war zu ausgefallen für Mainstream-Galerien, sodass er, ohne andere Ausstellungsorte als die gewagte, aber kleine FUN Gallery, die Straße eroberte und die düstere, gefährliche Landschaft des urbanen Verfalls mit comic-surrealen Blobs und fröhlichen H-Bomben-Atompilzwolken bereicherte. 

Self With Cadillac, 1979, Mit freundlicher Genehmigung von Kenny Scharf

Der enorme Raum und die Möglichkeiten, die ihm die Straße bot, ließen Scharfs Werk monumentalen Status annehmen. „Ich habe mich nie als Graffiti-Künstler oder Street Artist bezeichnet“, sagt Scharf. „Ich fand einfach, dass die Straße der beste Weg war, um rauszukommen. Besonders in New York City, wo all diese Kunstleute kein Interesse daran hatten, meine Arbeit zu sehen oder mich in einer Galerie zu akzeptieren. Ich wollte sie konfrontieren, ich wollte, dass sie keine andere Wahl hatten, als mich zu sehen.“ 

Kenny Scharf sammelte Ephemera von den Straßen des alten, wilden New York, das er liebevoll als „funky town“ bezeichnet. (Damals konnte man Scharf oft sehen, wie er mit seinem „Haustier“ – einem Staubsauger, den er in vielen Farben bemalt hatte – die Broadway entlangging.) Er bemalte kaputte Geräte in Day-Glo-Farben von Hand, die er zu Installationen zusammensetzte, die erste im Schrank der Times Square-Wohnung, die er mit Haring teilte, genannt „Cosmic Closet“. (Später wurde der Schrank zu einer Cavern.) 

Die Leidenschaft hinter Kenny Scharfs Gemälden 

Faces In Places Öl auf Leinen mit Aluminium, Mit freundlicher Genehmigung von Kenny Scharf

2004 veranstaltete das Pasadena Museum of California Art eine Retrospektive von Scharfs Werk. Kenny Scharf: California Grown zeigte Gemälde, Vorführungen von The Groovenians und Bronzeskulpturen in der Galerie im dritten Stock. Als Scharf die kahlen Wände der 10.000 Quadratfuß großen Parkgarage des Museums sah, hatte er eine Idee. „Ich fragte, ob ich die Garage bemalen dürfte, in dem Wissen, dass es viel länger halten würde als die Ausstellung“, sagt er. Sprühfarbe schien die passendste Lösung für den Raum zu sein. 

Das Ergebnis war eine permanente Installation namens „Kosmic Krylon Garage“, die einem ansonsten toten Raum Leben einhauchte und einen Teil von Scharf wiedererweckte, der fast 20 Jahre lang geschlummert hatte. Zu dieser Zeit belebte die Arbeit von Künstlern auf den Straßen Londons, Paris, Melbournes und in den USA die Idee des urbanen Raums als legitime Leinwand neu, mit einer neuen Ästhetik, die sich vom Graffiti unterschied. 

Für die neue Generation von Street Artists, viele von ihnen Kunsthochschulabsolventen, waren Leute wie Scharf, Haring und Basquiat inspirierende Bezugspunkte, Gründungsväter ihrer Welt. 2009 wurde Kenny Scharf gebeten, ein Wandbild für ein „Museum der Straßen“ – die Wynwood Walls – im Rahmen der Art Basel Miami Beach zu gestalten, wie es der verstorbene Kunstvisionär und Entwickler Tony Goldman und Jeffrey Deitch, damals Direktor des Los Angeles Museum of Contemporary Art, vorgesehen hatten. Als er sich darauf vorbereitete, sein erstes Außenwandbild seit 20 Jahren zu malen, fühlte Scharf ein Gefühl der Heimkehr. „Es fühlte sich an wie, wow, ich mache das wieder. Nur größer. Und genehmigt.“ 2010 wurde Scharf zurück an die Houston Bowery Wand eingeladen (ebenfalls im Besitz von Tony Goldman, der den Raum der Street Art gewidmet hatte). 

Das Kenny Scharf Gemälde war ein riesiges, ekstatisches psychedelisches Wandbild mit Aerosolfarbe, eine emotional aufgeladene Rückkehr an einen Ort, der so viele Erinnerungen barg und den Beginn einer ganzen Bewegung symbolisierte, das Genie eines gefallenen Freundes. Ein Rückschlag für Scharf war, dass das Wandbild fast sofort mit solcher absichtlicher und böswilliger Präzision übermalt wurde, dass es ihm schwerfiel, es nicht persönlich zu nehmen. „Ich hatte nach diesem Wandbild eine wirklich schwere Zeit“, sagt Scharf. „Es ist ein so hochkarätiger Ort, und es gibt so viele Writer, die darauf wollen, und viele von ihnen wissen nicht, wer ich bin. Ich komme aus einer anderen Welt und Zeit, und, na ja, sagen wir einfach, sie haben es vernichtet. Vernichtet.“ Wäre nach Fertigstellung des Wandbilds eine Schutzschicht aufgetragen worden, hätte man die Tags leicht mit Hochdruckreiniger entfernen können – aber dieser Schritt wurde irgendwie vergessen. 

So kletterte Scharf mitten im Winter wieder eine Leiter vor der Bowery-Wand hinauf und begann, das Wandbild zu reparieren. „Es war eiskalt, sehr schwer zu sehen, was darunter war, und viel schwieriger als das ursprüngliche Malen. Also stand ich da, sah mir einen großen, hässlichen Tag an und versuchte, das Wiederherzustellen, was da war. Es war 100 Mal schwerer als das ursprüngliche Wandbild.“ Mitten im Malen kam ein Schneesturm. Kenny Scharf verließ die Baustelle, und als er zurückkam, war das Wandbild erneut besprüht worden. Scharf äußerte seine Enttäuschung in Graffiti-Blogs und wurde zum Ziel von Morddrohungen von Leuten, die vermutlich keine Ahnung von seiner Beteiligung an den frühesten Tagen der Wand hatten, die sie für sich beanspruchten. „Sie drohten mir zu töten“, sagt Scharf. „Ja, es ist das Internet; ja, Leute sagen viele verrückte Sachen. Aber es war klar, dass sie ihre eigene Geschichte nicht kannten oder sich nicht darum kümmerten.“ Deshalb begrüßte Scharf, als MOCA 2011 seine Ausstellung Art in the Streets startete, die erste große Museum-Retrospektive zum Thema Graffiti, diese als wichtige Bildungsgelegenheit. 

Die Kenny Scharf Ausstellung beinhaltete eine Nachbildung der FUN Gallery, in der Scharf seine erste Ausstellung hatte, und eine vollständige Nachbildung der „Cosmic Cavern“. Es war die erfolgreichste Ausstellung in der Geschichte von MOCA, und als Scharf die Schlangen vor dem Museum sah, fühlte er sich inspiriert – im Gegensatz zu den Museumsverwaltern, die der Meinung waren, die Ausstellung richte sich an das falsche Publikum. Das ärgerte Scharf fast so sehr wie das Übermalen seines Wandbilds. „Die Leute, die zur Art in the Streets Ausstellung kamen, waren nicht die Leute, die Tische bei den Gala-Dinners kauften“, sagt Scharf. „Manchmal denke ich, Museen würden lieber Geisterstädte bleiben, als den Ort mit Leuten zu füllen, die sie unwohl fühlen lassen. Die Kunstwelt betrachtet Kunst für das Volk als dumme Kunst, aber ich sehe das anders. Ich sehe es so... lasst uns die Massen erziehen. Lasst uns den Leuten helfen, klüger zu werden.“ Wenn er heute auf der Straße malt, malt er allein, ohne Assistenten, und schnell. „Ich mache diese Wandbilder in zwei, drei Tagen fertig. Manchmal, wenn ich ankomme, sind da jüngere Künstler, die an ihren eigenen Wandbildern arbeiten. Sie sind schon zwei Wochen da und haben Crews dabei, und dann komme ich rein und denke nur, OK, ich bin fertig, tschüss. Ich möchte den Kids zeigen, dass älter werden nicht bedeutet, weniger kraftvoll zu sein.“ 

Kenny Scharfs Wandbild 

Kenny Scharf installierte kürzlich ein 3D-Wandbild in Bombay Beach nahe dem Salton Sea (bei der Bombay Beach Biennale, kuratiert von Lily Johnson White), einer postapokalyptischen Wüstenlandschaft etwa drei Stunden östlich von Los Angeles. Dort ist es günstig und wild genug, damit junge Künstler ihre Stimmen entwickeln können, ohne die erdrückenden Fixkosten von New York oder L.A. tragen zu müssen, vorausgesetzt, sie kommen mit 120 Grad Hitze, Isolation und einer Vielzahl von Meth-Laboren klar. „Der Salton Sea... dieser Ort ist so etwas wie das Ende der Welt“, sinniert Scharf. „So nach dem Motto, die Welt ist vorbei, lass uns einfach hier leben... irgendwie wie New York in den 70ern.“ Was für einen Künstler wohl die größere Herausforderung wäre – Bombay Beach im Juli oder das kriminell geplagte New York der 70er und 80er Jahre? Er denkt kurz nach. „Weißt du... sie sind wahrscheinlich tatsächlich vergleichbar.